本番に臨んで…

音楽は時間の芸術、舞台芸術のひとつです。

書画造形と異なり、アトリエで製作したものを、持ち出して味わうものではありません。
したがって、本番という場が、はかなくも刹那の時間が、その大前提です。

練習室でいくら練習しても、それとは全く違うなにものかがそこにあります。

それは、

時間であり

空間です。

ゲネプロをいくらやっても、それはシミュレーションにすぎません。

本番をいくら重ねても、時はいつも違うもの、いつも違う何かを持っています。

予想をすることはできません。

音楽に取り組む人は、常にそうした、時空の挑戦に晒されているのです。

そこに、「悲観」を持ち込むのか、「希望」持ち込むのかは、あなたしだい。

本番はあがりますか？

当然です。何が起こるかわからないから。「悲観」失敗するかもしれないという心配と、「希望」成功して喜びをもたらしてくれるという期待。この両方を持っているから、あなたは「あがる」。

どちらかしかないなら、すなわち、未来が予想できているなら、あがらないのです。

あがる、ということは、心に希望がある、ということです。

時空は人事を超えているのです。心に希望があるということを肝に銘じて、天命に任せましょう。

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緊急事態

さっき、ヴァイオリニストの弟から電話をもらう。

「やぁ、えいちゃん（僕の名）？」
「おお！」
「今、浜●にいるんだけどね」
「え、川口？」
「いや浜●、カルテットの本番で」
「あそう」
「それがさ、だ、第２ヴァイオリンが来てないのよ、日間違えたらしくて」

「え゛～～～～～」

「でさ、トリオの楽譜ある」
「あるある、えっとベートーヴェン…と…」
「モーツァルトないかな、ディベルティメント」
「…あーモーツァルトは、ないなぁ」
「ちょっとまって　（チェロの大御所と）えっと兄なんですけど…はい、わかりました…じゃぁさ、ベートーヴェンの３番のCmollある？」
「あるある」
「じゃ、それ送ってくれない？」
「いーよー」
「それでさ、本番７時からなんだよね、間に合うかな」
「（時計は５時ちょっとすぎ）おー、、大丈夫コンビに近いしすぐコピーしてファックスするから」
「よろしく～」

（コンビニにて、コピー後、帰宅し、送信。送信終了時は１７時５０分。）

「送ったよ～」
「あーりーがとう！助かったよ」
「いやいや、間に合ってよかった」

ということで早速ブログネタ。

　浜●方面で某カルテットの教会コンサートが、トリオになった演奏会に行った方へ、楽屋裏の出来事でした。あ～もうすぐ本番ですね。

ということで～

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チェリストは、レッスン室だけで育たない。

　今度の日曜日ヤマハの大人のための音楽教室の発表会です。チェロはヴァイオリンといっしょにやります。
　
　この季節年度末やご都合で出たいのに出れない方が何人もいらっしゃって、それでも６人の生徒さんに出ていただけます。
　
　表題は、もとは「ピアニスト」だったはずですが、誰の言葉だったかな？
　
　これは必ずしも本番を経験しろ、ということでもないかもしれません。チェロ以外のさまざまな経験がチェロの糧になる、ということも含まれているでしょう。
　
　しかし直接的に考えれば、本番でえられる貴重な経験。
　初心者の方でまだまだと辞退する方も多いです。
　
　ぼくは、積極的に出演を勧めています。そこで得られることは、単純に「上達」という名前で呼ばれるもの以上のものがあるからです。
　
　そして大事なこと、ぜひ、楽しんでくださいね。
　
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パラダイムシフト

プロフェッショナルは、常にパラダイムシフトを探しています。

天才は、９９％の地道な努力で支えられる、それは真実でしょう。しかし、１％の中に含まれるパラダイムシフト、これが起こらないと一切完結しない、シビアな現実。

しかし、それは天才だけに課された使命ではありません。

チェロの上達を目指そうとする人々、すべてに同じように問われているのです。

パラダイムシフト、あるときは、あの人には見えているけれども、自分には見えない世界と思えるかもしれません。憧れの「あの人」のようになりたい。しかし、「あの人」と言ってしまうと、そこに罠があります。比較の罠。

そうではなく、あなたにしか見えない世界へのステップを踏みしめる、これがあなたのパラダイムシフト。

われわれは、それを「化ける」と言ったりします。

どこにパラダイムシフトがあるのか、何がパラダイムシフトなのか…

いっしょに旅をしましょう。

それが僕の謎解きの旅です。

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天神山チェロアンサンブル

いい天気ですが、ちと寒い

先週の日曜日は天神山チェロアンサンブルの日でした。あ、名前はまだ決まっていないんだった、こないだ言うの忘れたぞ。

今回は、このブログの甲斐もありメンバーがひとり増え、いままで主婦の方６人だったところへ男性の生徒さん１名が加わり、ポッパーやバッハなどを練習いたしました。

個人的に、参加しようかな、という方も伺っています。どうぞお気軽にご連絡ください。とりあえず僕のメール（プロフィールにありますから）へどうぞ。

この日は、午後にヤマハの生徒さんの合奏などもあり、一日出ずっぱりでした。いやいや～

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ヴィブラート事始・その２

今日は晴れるっかな？祭日ですが、お仕事の方ご苦労様です。

しつこいようですが…

ヴィブラートは固有振動なので、腕の条件によって決まる、特定の振動数で振動しやすいのであって、任意の振動ではない、ということを言いました。

別な見方をすると、固有振動で振動しているヴィブラートは、ヴィブラートとしての体裁をなしていて、そうでない振動の場合は非常にぎこちない。

「体裁をなしている」ということは、必ずしも美しい、ということではありません。前者には、実はチリメンヴィブラートも含まれます。後者には、チリメンが嫌でゆっくりしたいあまりに、意図的に上下にゆらゆらと揺らしている状態があります。

つまり固有振動という考え方で言えば、チリメンの状態は、一種の不完全なヴィブラートです。

練習方法、ということでしたよね。

もし、チリメンが出来ているならば、そこからはじめましょう、とうことです。
チリメンヴィブラートを「ヴィブラートが出来ている過程」として積極的に認めるのです。これが要点。

ゆっくり「意図的な」振動にしようとする作業は、固有振動ではないからです。

では、どうするのか。

ここでイメージを膨らませて下さい。最終的には、指先から腕にかけての、大きなアーチを振動させたい。しかし今現在は、まだ、指先から手首までの、小さな川にかけられた小さな橋が振動しているだけ。だからちりちりするんです。

さあ、もっと大きな川を渡りましょう。大きな川を渡る大きな橋を作ります。そのためには、指先から肘までの距離が必要です。いままで向こう岸に届いていた手首は、橋のアーチの一部に過ぎません。少し大きくなった橋、指先から肘までをイメージして、それを振動させてみましょう。

固有振動である、ということは、ここでの振動数の変化は、単純に言うと、「チリメン」状態と少し長くなった「脱チリメン」状態のほぼ２種類しかない、ということです。すなわち、「だんだん遅くなる」のではなく、「いきなり遅くなる」んです。だって、橋の長さが、手の大きさから前腕の長さにいきなり変わるんですから。

「いきなり」遅くなる、このこともあわせてイメージしましょう。

これは、チリメンビブラートが出来ている何人かの生徒さんに試してもらった結果、最初出来たり出来なかったりするものの、比較的短い時間で、ヴィブラートの振動周期が長くなってくるのが実感されてきました。聞いているほうもご本人も。

ここまでくると、橋をさらに、最大限まで拡張することは、比較的容易です。

　いったん橋を拡張しているプロセスがあると、それを肘から肩に拡張するイメージはより持ちやすく、そのことによって、腕を一本の大きな橋、あるいは弦として振動させるようになり、最大限のヴィブラートをかけることが出来るようになるわけです。

　また、ヴィブラートは、振動できる周期を「見つけ出す」ことでもあります。無理に振動しにくい周期で振動させようとしてもぎこちなくなるだけ。それよりも「腕が振動する周期」で振動させるようにします。それが自分の意に沿わないときは、振動の周期を変えるのではなく、肩、腕の状態や条件を変える、ということです。
　
　最終的に出来ている感じは、てとらさんがコメントしているような「振袖」というイメージも良いですね。　男性はどうでしょう。

　これらのことがスムーズにいくために、左手の基礎がしっかりしていれば、申し分ありません。具体的には、手首の力を抜く、肘の力を抜くことに他ならないからです。
　しかしあるいは、ヴィブラートをするために左手の力が抜けるようになった、でもいいと思います。
　
　左手を力を入れずに押さえる、このことは、これまでの「脱力って何」と絡めて、また次に考えてみましょう。
　
　左腕の固有振動、いかがですか？

　あなたの固有振動は何ヘルツ？

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ヴィブラート事始

こんな日に、また雨か～

さて、唐突ですが、ヴィブラートに関してある重要な（と僕が感じただけですけど）発見をしました。

ヴィブラートについては、習得が難しい、出来る人は出来るが、出来ない人は出来ない、出来てもうまくならない、など、いろいろと言われています。

しかし、それもこれも、ヴィブラートなるものの仕組みがよくわかっていないから、というところから来ているのでしょう。こうすれば、こうなる、という因果律がわかりにくいものほど、習得は難しい。

皆さんも「こうすればこうなる、けど、今は出来ない、だから練習する」のであって「どうなるかわからない、けど、試行錯誤する」遠回りは、労力が必要ですね。いきおい、なかなか出来ない。まして、才能まかせ？宝くじ？みたいな事を言われては、なかなかねぇ…

そんなある日、ヴィブラートをかけながら、これを人に伝えるためにはどうしたら良いのか考えてたら、ぱっとひらめいたのです。

これが突破口になるかどうか、やってみましょう。

仮説、としておきますが、

「ヴィブラートは、固有振動である」

…

なにそれ。

ヴィブラートって音を振動させるってことでしょ？あたりまえじゃん。

そうではなくて、「固有」振動です。

固有振動、一番身近なところでは、チェロの弦を弾く、この弦の振動。弦の振動とヴィブラートの振動と同じとは、いったい何を意味するのでしょうか。

細かいことはおいておいて、要点です。弦は固有の振動数でしか振動しない、ということです。すなわち、たとえばＡの開放弦、４４２にあわせれば、４４２Ｈｚで振動します。勝手にＧになったりＨになったりしません。

これが「固有振動」です。

「ヴィブラートは、（腕の）固有振動である」

弦の長さの代わりに腕の長さとすれば、ヴィブラートも、ある一定の振動数で振動しやすいものである、と考えたのです。これがヴィブラートをかけているときの感覚によく合致していたのです。

ということは、ヴィブラートは「任意の周期で振動させることができる、わけではない」ということでもあります。これは重要な発見ではないかなぁ。

『でも、いわゆる「チリメン」とか、短い周期のヴィブラートもあるじゃない？それが問題でしょ』

そのとおり。なぜチリメンなのか。

「チリメン」ということは、周期が短い。すなわち周波数が高い。もし音であれば高い音。

つまり、弦が短い、ということです。

腕をチェロの弦になぞらえて考えてにましょう。指先を駒、肩をナットとします。もし手首のあたりをがっちりこわばらせれば、弦の長さは、指先から手首の間の短い弦の音、相当に高い音、つまりものすごいチリメンです。
あるいは、肘あたりをこわばらせると、やはり、半分くらいの高さの音。若干のチリメンです。

腕全体が振動すれば、開放弦の振動数でゆったりヴィブラートがかけることが出来る…

「ヴィブラートは、固有振動である」

このフレーズをきいて、すこし「ぞくっ」とした方、ぼくと同じ感性を持っています。それは今ヴィブラートが出来ている人でも同じです。是非ご連絡ください。

では、この仮説をヒントに、練習方法を考えてみましょうか。

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脱力ってなんだ？IV

もしかしたら、右腕って、重い？と思い始めたあなたへ…

（左腕も多分、同じくらい重いですよね）

早速、チェロを構えて弓を持ってみましょう。

弓を置く場所は、最初は元弓。Ｇ線上に静止してみます。

そして、イメージしましょう、、、ここで、ぱっと、チェロが消えたら、右腕はどういう風に落ちていくかを…

これまでの試みでわかったとおり、通常の生活では、右腕を右腕自身で支えています。

これは、正確に言うと、右腕を、右肩の筋肉で支えている、ということです。あるいは肩を主にして、前方に動かすときに鎖骨周辺、後方に動かすなら肩甲骨周辺が協調しています。

いずれにしても、肩、がほぼ全面的に腕を支えています。

ここで、非常に傾いてはいますが、腕を一本の橋と考えてみましょうか。そして一方の岸が肩、もう一方が弓を持つ手。

一方の岸の支え（肩）がべら棒にしっかりしていて、橋そのもの（腕）がしっかりしていれば、この橋は落ちません。これが、通常何も持たない右腕の状態。

これをもう一方の端（手）にも支えを作ってやると、肩側で支える重さを軽くすることが出来ますね。

どうするって？　つまり、肩で支えている腕の重さを、肩で支えるのをやめて、手の側でも支えてやればいいのです…

もう一度イメージしてみましょう…ぱっと、チェロが消えたら、右腕はどういう風に落ちていくか…そして、それが落ちないように、きちんと手の側に支えが必要なんだと。

これが、右腕の脱力なのでは？

端的に「肩の力を抜く」、単純な表現ですが、なんと理想的な脱力方法であることか。

さてさて、

肩から右腕の重さの支えを抜くことができたとして、手で支えるわけですが、重さを受け止めるシステムが必要ですね。それが、「弓の持ち方」であり、右手の親指、なわけです。もちろん、第一義的には、重さは「弓」に伝えないといけないのです。しかし単にそれだけだとあまりにバランスが悪すぎる。なので、親指でささえます。

すなわち右手の親指は、腕の重さのバランスを取っているということになりますよね。

たしか今、弓は元弓。

先弓にしてみましょうか。

こんどは、単に重さを乗っけると本当に弓が落ちてしまいます。

このときの弓の圧力、すなわち弓等での重さを支えている機構は何でしょうか？

下の支えは、ひとつは弦。

ということは、弓を持っている手の側では、上からの重さと、それを受け止める何かが必要です。受け止めるのは、結論を言えば親指。

このとき重さが、親指と弦の間にかかってこないと、バランスは取れません。だから、人差し指、ないし中指に荷重がかかって来るはず。ですから、手としては、右まわにりひねるような形になるとイメージできますね。

ということで、元弓と先弓の静止状態を、「脱力」しながら、ざっと考えてみました。

そしてこの間を繋ぐのが、けだし「ボウイングのヒミツ」ということでしょう。

ふうぅ、今日はこんなところで…

いかがですか？

脱力ってなんだ？III

すみません、少しずつで。

右腕の重さを普段感じることは出来ますか？

一応、肩から腕がぶら下がっていると考えてみます。そのもの自体の重さを感じるのは普段意識していないわけですから、難しいですね。

それは、右腕を持ち上げてみても同じです。

では、おなかの前で、左手で右手を持ってみましょう。

右手って軽いな、と思うかもしれません。

しかし、おそらくそれは、右腕自身が右腕を持ち上げるお手伝いをしているに違いありません。

では、そうではないようにするには、どうしたらいいのでしょうか？

まず、右腕自身で右腕を、おなかのまえあたりまで持ち上げてください。

脱力してみましょう…？ん、うまくいかない？

これが第一段階ですね。現在の右腕の形を支えている、肩、上腕あたりの筋肉の収縮を解く、と考えるとうまくいくかもしれません。

いずれにしても、重力で、体の右下側に、腕が、ブラーん、となるところまで落ちていく、
それが出来るまで練習してみましょう。

次に、右腕を左腕で持ちます。左手を下向きに、右手の手首を持ったら良いんじゃないかと思います。そして、おなかの前辺りに。

　最初は、右腕は軽いですね？
　
　では、さっき、右腕の力を抜いて、したにダラーんとたらしたことをイメージしながら、右腕の力を抜いて見ましょう。
　
　イメージするときのポイントは、右腕自身は実際には動きませんが、右腕が落ちていく方向を想像することです。
　
　なれないうちは、右腕自身で意識的に右下側に引っ張ってみてください。
　
　もし、左腕の筋肉が、左手の握力を締め付けるために緊張することが感じられれば、脱力はできていると思ってよいでしょう。そしてそのまま左手を離せば、右手は落ちていき、ブラーんとするはずです。

　さて、ここまで準備出来たら、弓を持って、脱力を使ったボウイングを試してみることが出来そうです。

　（ちなみに、右腕も、左腕も同じです）
　
　カンのいいかたは、次回を読む前に、実際に弓を持って、弾いて確かめてみてください。おお？！

脱力って何だ？II

　たまには雨も降るさ～ってことで。
　
　
　さて、
　
　重力を利用して、脱力をするには、支えが必要という話をしました。

　体の姿勢や動きは、意識してできることと、無意識にしてしまうことがありますね。完全にどちらかしかない働きはないとは思います。でも、「支え」と「脱力」で考えた場合、「支える」という行動が、どちらかといえばアクティブですから前者が強く、「脱力」は逆、と考えられます。

　無意識にしてしまうこと、たとえば、左手で右手を持ち上げようとしたとき、ほぼ間違いなく、右手自身でも持ち上げてしまいます。これが脱力の難しさ。

今日は「支え」の方から考えてみます。

　中心にある体自身がしっかり支えられていること、これは、体からぶら下がっている腕を脱力するためには不可欠、これは理解できますよね。

　見てわかる支えの要点は、腕を使わずにチェロを構えている姿勢ですね。

　チェロの構え、どういう風に理解されているでしょうか。あるいは、イメージしているでしょうか。チェロはいすに座っているから簡単、なのでしょうか。

　普通椅子というのは、座るもの…立っていると出来ないことをする、あるいは立っているよりも座っているほうが有利になるようなことをするためのものです。

　そのなかには、「リラックスする」というのも含まれますが、体の芯を支えるためには、リラックスするだけのために作られた椅子は不向き。チェロ椅子に、背もたれピアノ椅子がよく使われるのは、そういう理由です。

　そして、背筋を伸ばし、腰、というか背中をまっすぐ立てる、体の芯を立てておく、ということですね。鉄筋コンクリートの鉄筋をしっかり作るのと一緒。まずこれが大原則でしょう。それがやりにくい椅子はダメ、ってことです。
　
　これっていわゆるインナーマッスルですよね。腰の姿勢もいいと肩もリラックスするので肩こりにもいい。肩こりに良いって言うことは、この先脱力にもいいってことじゃないかな？

　そして、体重を基礎を通じて地面に伝えているということも、意識しておかないと。

　チェロを構えた上での体重は、どういう風に地面に伝わっているんでしょうか。
　
　チェロ自身もエンドピンを経由して接地しています。ここで１点。
　
　さらに、両足の２点。
　
　そして椅子の足、椅子自身は安定していれば良いので足は何本でもいいんですが、だから、椅子の足の本数を数えるのではありません。椅子に接している体の部分は「坐骨」。　すなわちおしりの骨の２箇所です。

　チェロ１、足２、坐骨２、合計５箇所を通じて接地しているというイメージです。
　
　これら５箇所は、しっかり固定されている、のではなくて、しなやかにバランスされていてほしい、たとえば耐震強度のある塔やビルのようにね。
　
　特に、意識から外れがちなのが坐骨でしょうか。しかし、ある意味ココが一番重要ではないかなと思います。だって腰を直接支えているんですから。
　
　そう、チェロの場合必ず座っていなければならないということは、バランスを取る部分が立ってるよりも「常に多い」のです。ですから、必ずしも座っていることがやさしいのではなく、むしろ少し難しくしているのかもしれません。

　チェロはさらに、左ひざの内側、胸、で接しています。これらは、可動部分です。腕を使っていない状態で、これら可動部分を通じてどれだけ自由にチェロを動かせるかもポイントですよね。
　
　体の中心をしっかり支えた上で、地面との設置点で常に「バランス」されている、そして、チェロは安定し、かつ自由に動く。これが、実際に演奏部分に当たる腕の脱力の準備なのでした。

　さてこれで、脱力の準備が出来たかなっと。
　
　続きますよ～

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メルマガ先行連載【超入門・チェロ講座】第５回

【第５回】　続続・あなただけに教まえす、音感を身につける秘儀（続続・アヤシイ）

　チェロの弦は、完全５度、といわれる音程で合わせています。現実的には、純正律の完全五度でまずは、合わせます。

　完全５度は楽典の知識、純正律は音律の知識です。「楽典」や「音律」というのは、「内容の知識」（http://eflat.cocolog-nifty.com/blog/2008/02/post_07cb.html）です。よき入門書がたくさんありますしネット上にも資源がありますから、是非身につけておいてください。

　前回、２つの音の違いをあわせるときは、単純な響きになるところだろう、という予想をしました。
　
　今回は完全５度です。
　
　同じ音、ということは音程で言うと、完全一度、ということになります。これはちょっと和音とはいえませんね。
　
　２和音と言われるものは、いろんな説があるんですが、よく合っている、という順番で、完全８度、完全５度、完全４度、長３度、短３度、短６度、長６度…などと言われています。これらは、いわば、アンケートみたいなもので、うなりとか聴こえやすい？ということをだいたい集計した結果らしいのです。完全４度以降は諸説紛々らしく、いろんな順序を見かけます。
　
　それだけ、和音の捕らえ方というのは、感覚的であり、わかりにくいのです。
　
　純正の完全５度は現象的に周波数比率が２：３になるということではありますが、それがどう響くかということは、おそらく今の科学では表現のしようがありません。
　
　とは言っても、完全５度は、８度は別として、よくわかる和音第２位にランクされているだけはあるのです。つまり、完全５度の響きも、前回の完全１度の時の響きと同じようなことがいえます。すなわち「いちばん単純な響き」が、おそらくこの和音のいちばん近くであると。これが、３度、６度になると、そこまでは言えなくなってくるのですね。
　
　一番単純な響きは、もし連続して２つの音を変化させることが出来るのであれば、比較的捕らえやすい感覚です。だから、チェロにちょっと似た楽器、ヴァイオリンでは、弦のテンションの弱いおかげもあって、ペグを使って一つの音をわざと大きく狂わせ、次第に近づけていきます。そうすると、だんだん音が単純になっていく様子がわかります。
　
　チェロもペグで合わせることが出来れば、同じようなことができます。しかし、さまざまな事情で、ペグを回しながら弓で音を出すという状況がつらいのですね。
　
　なので、一回ひいては、アジャスターを回し、また弾いてはアジャスターをまわし。
　
　これはチェロのチューニングを困難にしている事情です。
　
　みなさんは、数ある楽器の中でも、特にチューニングが面倒な楽器を選んでしまったのですね…あ～いつになったらチューニングが出来るんだろう…。

筆者注：超入門はのろまなかたつむりです。イライラしたらごめんなさ
い。「たゆみなきあゆみおそろしかたつむり」

この記事は、メルマガ第４号[2008/03/12]に掲載されたものです。まぐまぐ登録はこちら

http://www.mag2.com/m/0000257788.html

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脱力って何だ？

急にあったかくなって、風邪を引くひとも多いみたい。それから花粉症。おだいにじ。

　脱力しろって、言われません？
　
　そんなこと言われたって、て思いません？
　
　いわく、右腕を脱力して、腕の重みだけで、とか。
　いわく、左手に力を要れず、重みで押さえろ、とか。
　いわく、体が自由に動けるように、力まないように、
　いわく、しっかりリラックスして、呼吸して…
　
　でも、全身脱力したら、ふにゃふにゃのタコ状態になるでしょう。
　温泉に入っているわけでもなく、生きて活動している以上、どこかでエネルギー、パワーを使っていますよね。
　
　脱力、を語る前に、その正体を知る必要があります。
　何のパワーもかけずにチェロを弾くことは出来ません。
　しかし、自らのパワーをはずす…ということは、自分の外部のパワーを使うということに他なりません。
　
　おそらく、それは重力。
　重力をどう自分のパワーにするかということが脱力の正体なのでは…
　
　また、全身脱力したのでは、ぶっ倒れてしまいます。
　だから、そうではなく、支えるべきところを支えて、そして脱力。
　
　脱力を語るには、まず、どこを支え、そしてどこを重力に頼るのか、これを明確にする必要がありそう。
　
　もうひとつ、自分で力を入れている自覚があるかどうか、これも大事ではないでしょうか。
　
　右腕を持ち上げる。弓を持つ。慣れてくると、右腕を持ち上げているということでパワーを使っているという意識が薄れてきますよね。普段日常生活で、いろんなパワーを使っているという意識はそうないでしょ？
　
　しかし、地球上では常に、重力に対抗したパワーを使っています。スペースシャトルにでも乗らないとそれは意識しにくいみたい。
　
　しかし、チェリストは、スペースシャトルに乗らずに、それを意識しなくてはならないんですね。
　
　ある日突然右腕が重いものだと自覚する。いえ、けっして五十肩の事をいってんじゃないですよ。そして肝心なのは、それを「どこで、どう支え、チェロに伝えるか」を見つけ出す。
　
　「おおこんなにもパワフルなボウイングが可能だったのか！」
　
　そんな日は近いかも。
　
　じゃあ、どこでどう支えましょうか？
　
　続きます。

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呼吸してます？

　演奏中、練習中に呼吸してますか？
　
　きちんとした呼吸法はちょっと難しいかもしれません。
　
　あるいは、アンサンブルをあわせるために、入りに息を吸ったり、またフレーズにブレスしたりという工夫もされてるかも。
　
　もちろん、呼吸は普段の練習のときも大事です。ズーッと力んで呼吸が止まっている方、あるいは極度の緊張で息がとても浅い方、いませんか？酸素不足は脳にてきめんです。せっかくの練習が酸素不足でうまくいかなかったり、肩こりになってしまったり。
　
　ちょっとお手軽に呼吸を実感してみましょう。
　
　チェロの練習前、あるいは練習中。いすに座って背中をまっすぐにしてください。
　
　腹筋をグッと締め、ふっと緩めてみましょう。
　
　そうすると自動的に息が出来ませんか？
　
　確認できたら、チェロを持ってください。
　
　構えて、弓を止めておきます。そのとき、軽く息を吸って、腹筋をクッと締め、姿勢がぐらぐらしないように。そうすると、弓もしっかり止まりますよね。あの、顔を真っ赤になるくらい思いっきり締めなくてもいいんですよ。
　
　そして、腹筋を緩め、自然に息が出始めつつ、元弓から弾き始めます。そして、先弓まで来たら、弓をしっかりとめつつ、やはり腹筋をクッと。どうですか？腕だけでとめようとするよりすんなりとまりませんか？そして元弓と同様に、腹筋を緩め、自然に息が出、リラックスしてアップを弾きます。
　
　これを何度か繰り返してみましょう。
　
　そして練習曲、あるいはエクササイズ。曲では、フレーズの始まり、終わりで、この腹筋を意識してみてください。エクササイズでも、区切りがありますよね。ロングトーンなら、一音一音意識しても良いでしょう。
　
　体の芯で支えて、停止、リラックスして、動作、これの繰り返しが呼吸につながっていく、そんな感じしませんか？
　
　どうぞ、試してみてください。　

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ボウイングのヒミツ…その６《続・ついにキター、弓の持ち方》

気がつくと、じっとり汗ばむ季節

弓持ってみました？

この「パー型」手順（もっといい名前ないかな～）の弓の持ち方、今日は静的なことについて考えてみます。つまり、まず持つことのメリットですね、これに対して、動的なこと、こちらは動かす、そのもの。直接技術に繋がることですね。

弓をパーから持つことによって、こちらと、こちらですでにお話しているとおり、ヒトの持つ自然なバネを利用して持つことが出来ます。

深く、広く持つことで力が要りそうですが、この理由によって「逆に、力が要らない」ことになります。

次に、親指の形です。手のひらに力が入ってしまい、握力で持つことによって、親指を反らせて持ってしまう、これはいけません…ということが問題になりますけど、親指以外の４指を広げることによって、親指は、これも「逆に、反らせにくい」ことになりませんか？

ちょっと、そこにある鉛筆とかで試してみてください。

親指をそらせると、４指がすぼむ…４指を広げると、親指が内側にまがる…いろいろやってみてください。にわとりと卵じゃないけど、４指を広げる動きが、親指が内側に曲げる動きに連動している感じが、しますよね。

この形が出来てると、親指が最大限、腕の重みを受け止めてくれるのです。

なぜか？はそれぞれ考えてみてください。僕は、Ｔ字の形を考えの横バーを弓、縦線を親指になぞらえて、縦線がナナメになったら、横バーは支えにくいだろう、という風に考えてますけどね、簡単でしょ。

こうして持った後の弓の角度です。角度というのは弾くときの動く方向のことではなくて、毛を弦に当てる角度ですね。よく、弓を倒すとか、倒さないとかそういう表現になります。

結論を言うと「あまり倒さない」です。
理由はこれも単純。毛の持っている摩擦力を最大限利用するためです。
具体的には、こんなもん（写真）

さて、いかがでしょう？・・

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ボウイングのヒミツ…その５《ついにキター、弓の持ち方》

やっぱり、弓の持ち方の話をしないといけないみたい…

そりゃそうですね、ボウイングは、弓持ってなんぼですから。

このブログを読まれている皆さんのほとんどは、レッスンについておられるんだと思います。どなたか、チェリストの弓の持ち方はさまざまに見えると指摘した方がいらっしゃったんです。たとえば、浅いの、深いの、それぞれの指を当てる場所、親指の形云々。これは事実で、であれば皆さんもいくらか違ったように教わっている可能性がありますね。

混乱させてもいけないから、「弓の持ち方」というテーマは避けようかなぁと思ったんです。しかし、いろいろなボウイングの技術を説明するに当たって、土台がないと説明しきれないということが、だんだんわかってきました。目的は、「カタチではなくて、その先にある音だよな」ということを忘れなければ、説明をしても良いんじゃないかと、かように思った次第であります。

で、ここでは、僕がレッスンでやっている手順と持ち方を再現し、その理論的な裏づけを説明してみたいと思います。たとえば、以前こんな記事を書きました。実は、この理屈は後付です。自分がこのもち方でやるようになって、なぜそれが良いのかという理由のひとつです。

また、もし余裕があれば、その後に、僕がこの持ち方に至った経緯をご紹介しましょう。

ということで、まず弓の持ち方を覚える手順から。

よく、どこそこの指をどこに当てる、という説明がありますけど、無論間違ってはいませんが、ゆびそれぞれを当てていく方法は、緻密な反面「覚えることが多い」「手、指の大きさが異なるのでそれぞれ微調整が必要」などの欠点があります。

って、いうか、非常に細かく説明してどうしても持てなかったかたが、ある日あるとき突然ひらめいて「こうやったら？」ってやったら、すぐ出来ちゃった、というそういうお手軽な方法が、僕の弓の持ち方の手順です。ぼくもそのときはびっくりしました。

まず、左手で弓を水平に持ちます。は、反対に向けないようにね。フロッグが右に来るように（まさか、直している人が…）

そして、右手をパー（普通にじゃんけんをするときのパー。めちゃめちゃ力んではまずいとおもいますが、特に脱力する必要もありません）にして、下を向け、弓の向こう側に持っていきます。中指にの向きを、垂直にして（だから、弓に直角ね、ここんとこ、大事ですよー by DS）、中指の指先の腹が、弓の毛の付け根辺りに当たるように、パーを弓にあてます。ぺたっと当てる感じ。

これで、右手は下を向いたパーに弓があたっている状態（写真）。

次に、だんだんチェロの弓をもつように腕をおろしつつ、親指を、だんだん内側に曲げながら、手のひらもだんだん曲げていきます。（曲がりつつある途中の写真）

そして、内側に曲げた親指が、フロッグのかどにあたったら、、、しっかり持って、、、弓を弦の上において、左手を離して、出来上がり（写真）。

親指が内側に曲がっていることを確認してくださいよ。弓の先のほうからみて、弓の向こう側に丸い景色が見えればオッケー（写真。うーん丸いって言うか）。

手順は簡単なので、うまくいかないな～と思ったら何度かやり直してみてね。

これなら、最初のパーの中指と、親指だけを意識すれば良いので、手の大きさはあまり関係ありません。指のそれぞれの場所をさほど気にしなくてもオッケー。

さて、この持ち方は、比較的深い持ち方？に思える方もいるかもしれませんね？

では次回からは、もうちょっと細かいことと、理論的な検証をしてみることにしま～す。

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メルマガ先行連載【超入門・チェロ講座】第４回

【第４回】　続・あなただけに教まえす、音感を身につける秘儀（続・アヤシイ）

　ブログでにバックナンバーとして掲載した第３回のコメントに、ＳＩＮさんとのやりとりがありますが、今回は純正（律）の話…に突入できるんだろうか。
　
　さて、半ば本気で「世界の名Ａ（めい・あー）」を提案したその背後にあるのは、基準音をチューナーの電子音に合わせる癪さ、ですかね（いえ、チューナーはすばらしい機器ですよ、これから使いやすいチューナーを開発してくださいね、メーカーさん）。
　
　「耳であわせる」と考えたとき、それは、目印としてわかりやすい事が必要です。たとえば、まったくランダムなピッチで２つの音を同時に鳴らしたとして、おそらく大部分「ヘン」に聞こえるでしょう？たまたまそれが、和音であったり、同じ高さの音である、という確率は低いですよね。逆に言うと、和音（以下同じ高さの音も含めて和音といいます）は珍しい、そしてそれがために、わかりやすいはずの音程、なのです。
　
　ということで「同じ高さの音である」という感覚は、おそらくわかりやすい感覚（音感）であろう、とは思うんですが、本当に「まったく同じ音」である状態と、わずかにそうでない場合に、どんな感覚の違いを得るんでしょうか。
　
　物理的には「うなり」が生ずる、としています。つまり、近い周波数で２つの音で鳴らすと、低い周期で「わんわん」うなるので、それを聞け、うなりは耳障りだろう？？？
　
　
　そういわれたところで、わずかに周波数のずれた２つの弦の音を聞いたことがありますか？

　ん？結構美しくないですか？
　
　そう、美しくと言っていいのか、効果的といっていいのか、とにかく、何らか心地よく聴こえる場合も珍しくないのです。
　
　実は２つの音の周波数がピタっと合っていると、ほぼひとつの音に聴こえてしまって、非常に単純な響きになります。ところが、ほんの少しずれていると「コーラス効果」といい、広い拡がりの、いかにも「アンサンブル～」という響きになることが知られています。
　
　電子楽器では、こうした響きをわざわざ作るための「コーラス」と言われるエフェクターがあります。わざわざひとつの音を２つに分離して、周波数をわずかに変えて出力し、いかにも「複数で弾いてますよ」って音のする効果を出すものですね。
　
　（少し専門的になります。周波数をわずかに変えるのは本来「ピッチシフター」で、「コーラス」は、実際には位相をわずかに変えているだけですが、聴覚上はほぼ同じ効果を得られることがわかっています。実はこの辺がこの話題のカラクリでもあります。物理好きの方はどうぞご検証ください。）
　
　このとき２つの音にはもちろん「うなり」が生じていますが、必ずしも不快ではありません。まして、弦楽器のように複雑な響きを持っているとなおのことなのです。特に「名Ａ」で合わせたらどうでしょう、より美しいかもしれません（これは想像ですよ）。
　
　で、あまりチューニングに慣れていない方は、ぴったり合ってる状態は単純すぎてつまらず、「コーラス」状態でも「ずれている」とはあまり思わないのではないでしょうか。なぜなら、もし音程に対してなんの知識もなければ、『心地よい響きがするということが「音が合ってる」ということだ』と解釈しても不思議ではない、と思うからです。
　
　だから、ここちよい「コーラス」は、合っているんじゃないかと解釈する。これは音感そのもの問題ではなく、その表現、理解の問題ですよね。
　
　そうなんです。同じピッチにあわせるということは、「コーラス」で「アンサンブル」してるような心地よい響きにあわせるのではなく、「一番単純な響きになる状態にする」ということ。これが理解できれば、合わせることができるようになるのでは？
　
　チェロのある程度弾ける方は試してみてください。もちろん、自分の最高のボウイングでね。まずＡの開放を弾き、Ｄ線で同じＡを重ねて弾いてください。合っている状態と思われる音の上下に、ほんのわずかにずらしてみてください。さすがに４分の１音近く離れてくると気持ち悪い響きになってきますが、ある程度の範囲以内だと、アンサンブルみたいに聴こえませんか？ある意味、同音奏法のときは、このくらいはずれていたほうが、よく響く、みたいな感じしませんか？
　
　おお、今日は少しまじめに書きました。いえ、これからもずっとまじめですとも。
　
　では、次回以降はこのことをヒントに、完全５度の調弦に進んでみましょう。

　筆者注：超入門はのろまなかたつむりです。イライラしたらごめんなさ
い。「たゆみなきあゆみおそろしかたつむり」

この記事は、メルマガ第４号[2008/03/05]に掲載されたものです。まぐまぐ登録はこちら

http://www.mag2.com/m/0000257788.html

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チェロは太鼓？

　はい、チェロ出して、バチもって、どんどんどん（良い子はまねしないでね）。
　
　チェロは何で出来ていますか…
　そう、木です。でも、全部同じ木じゃないよ～、、知ってるよ、指板は黒いし。
　
　そうではなくて、ボディの材質。
　
　表板だけが「スプルース」と呼ばれる「松」、側面と裏板が「楓」です。

　同じように見えるけど、なぜ違うのでしょうね～？

　確かにチェロに使われる楓には、虎モクといわれる横の縞々（これは木目ではありません、たまに勘違いしている方がいますけど）がある場合が多いですが、それをつけるために楓にしているわけではありません。それに、虎モクは音には関係ないんですよ。なくて安いなら、お得、という場合もあります。
　
　じゃなんで。
　
　実は、表板の松が少々柔らかくしなやか。楓に比べるとね。
　
　ということは、これは太鼓と同じじゃないですか？
　
　たとえば、スネアドラムとかティンパニとかも。スチールの箱に、皮が張ってあって、その皮をたたいて、皮の方向に空気が振動して、音が飛んでいきますね。これは一目瞭然みればわかる。日本の太鼓も、ボディが木、で音を鳴らすのは皮。
　
　じゃあ、チェロは？

　表板を太鼓の皮、側面と裏板をボディと考えれば同じですね。
　そう、弦を弾くと、音が駒から表板に伝わって、表板が、側板と裏板に支えられて、振動。
　
　これでわかることって何でしょう。
　
　つまり、チェロの場合、太鼓ほどには一見してわからないけど、表板の向いている方向に音が飛んでいく、ということですね。
　
　練習や演奏をしているときは、常にこのことに気を払っていると、きっと良いことがありますよ。今弾いているチェロは、自分に対していちばんよく聴こえているのではなく、チェロの向いている遠い先に飛んでいっている～、のです。このイメージ是非持ってください。自宅で弾いているときであっても。
　
　「チェリストは２つの耳を持ってください」と、堤剛先生に指導されました。著書にも書いておられます。自分が弾いているチェロを直接聴く耳、そして、チェロが遠くまで飛ばしている音、すなわちお客様に聴こえている音、を聴く耳。おそらくそういうことをおっしゃっていると、僕は解釈しています。後者の耳は、それを聴く、というよりは響きや経験から感じるということではないでしょうか。
　
　自分のチェロが鳴っている幸せを感じましょう。もっと、もっと遠くへ響け～

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跳んでるスタッカート

年齢チェックです。

跳んだカップル…ぼくぁあんまし好きじゃなかったなぁ。

さて、今度はスタッカートを飛ばしてみましょう。

跳ばないスタッカートの順序を再掲すると、

１．しっかり止まって
２．弾き始め
３．しっかり止める

この３．を省略すると、楔形になるといいました。

スタッカートができるようになったら、こんどはその楔形を弾いてみてください。

１．→２．→１．→２．→…

これはどちらかというとアクセント。

では、

１．しっかり止まって
２．弾き始め、
３．持ち上げる、

とやると、一見飛んでる思えますが、きっとあまりうまくコントロールできません。

１．２．３．→１．

と帰ってきたときに、弓が落っこちます。これは～スピッカートだかなんだか？

静止状態から飛ばしたいは、弓と弦の反発力を使えば良いのですね。「１．止まっている」ときに、弓と弦のばねを、より感じてください。

そうすると「２．弾き始め」る時の力の抜き加減をできるだけ早くすれば、弓はより浮いて、より減衰するんですね～。しかし、完全に浮いてしまうとスピッカートになってしまうので、つかず離れずぐらいで十分です。

練習方法は、、、

アップから、

１．しっかり止まって、中指を使って、反発力をぐぐっとためる
２．弾き始めつつ、反発力を開放して（中指を早くゆるめて）、飛び上がろうとする
（３．止める）

飛ばす連続スタッカートは、あまりゆっくりした場面はないですが、飛ばす感じを理解するために、最初はゆっくり（３．止める）のプロセスを入れてください。

練習曲でも良いですし、現在やっている曲でも良いですから、ゆっくりからはじめてくださいね。

だんだん慣れてきたら、早めにやってみましょう。早く弾くほうが弓がよく飛んでくれる事にここで気がつくかもしれません。

弓順を逆にして、ダウンでも、同じように。でもダウン、難しいですね。

スピッカートになると、弦を「弾ませる」ので、弓の弾力がかなり重要、そして弾ける場所も中元弓の方に限られてくるんですが、スタッカートは比較的場所を選びません。

そして、おそらくほとんどの場面で、スピッカートまでしなくとも、スタッカートで用が足りると思います。

さあ、いっしょに跳んでみましょうか？

中指と薬指の切れない関係…

昨日は岡山地方は、少し冷え込みました。

ポニーさんにコメントいただきましたお題です。
左手なので、「２の指と３の指の切れない関係」ですが、本名でお呼びしました。

２、と３の間は、手をパーの状態から、グーの状態にだんだんと閉じていくと、近づいてきます。なぜかと言うと、他の指より長いからだし、指先が手のひらの中央に向かって閉じていくからですね。これは、手の自然の形です。

ところが、ネックポジション、ここでは第一ポジション（Ｔ１）基本形にしましょう、左手を押さえるカタチはその途中の形になりそうです。だから、自然な状態では中指と薬指がくっついてしまう…あるいは、狭くなってしまうと。

基本形では、指の間隔は「半音ずつなので、均等に」開きたい、、、
あるいは、２の指はＤ線ではＦを押さえたり、３の指はＧ線ではＨを押さえたり、難しい理屈はおいといて、ＦはＥに近いほうが、ＨはＣに近いほうが、音階がきれいに聴こえる、そうすると、２の指と３の指はより離したい…

これが手の自然な形よりも、２つの指を離したい理由でしょうね。

従来、ここを開く練習をしてもらってみてました。たとえば写真のように開いてみて、だんだんと手を閉じてみる。

しかし、これは普段使わない特別な動きですし、関係する筋肉が発達していたりいなかったりするようで、すぐに出来ない方も多いのです。すぐに出来ないだけではなく、ずっと出来ないことも少なくないです。写真みたいに「練習しましょう、鍛えればできる様になります」というのは、嘘ではないにせよ、少々気の長い話しだなぁとは思います。特に「自分の手は小さい」と思っている方にとって。

気の長い話自体は悪くないのですが、最近ふと「基本どおり」押さえることによって、２と３を比較的開きやすくできるハズ、と思うようになりました。そう、もちろん手の小さい方でもです。

まず、いつものように（いつもすみません）、４の指を押さえ、肘までの尺骨ラインを整え、次に３の指を４の指に寄り添うように押さえます。次に３の指をしっかり押さえていることを支えに、「２の指を上にふわっと開く」のです。「上に」が肝心ですよ。開く自体はなんの力も要らないと思います。もし開いたとき、２の指が長すぎるため弦に乗りにくいのであれば、「４の指から肘ライン」をチェロの側板方面に（方向的には斜めやや前方下）少し移動してください。

どちらかといえば、これまでより肘を下から抑えているような形に感じるかもしれません。

どうですか、２と３を開くんじゃなくて、腕全体の形を変えることによって、２の指を上に開くのです。１の指を開くのは、比較的容易です、がそれと似た要領で、２の指を開いてみてください。

先ほど「半音ずつなので、均等に」と書きましたが、実はここに少々トリックがあって、実は上側のほうは少し広くていいのですよね。ほんの数ミリですが、この数ミリが手の大きさにとって救いになっているのかもしれません？

ちょっとこちらを…

写真ですが、わかりやすくするため、若干全体的に広く開いています。手の小ぶりの人をイメージしてます。これ、もしかしたら拡張形？に見えるかもしれませんね。違います。これが基本形。あるいは拡張形にするかのように基本形を押さえてみるイメージでも良いかもしれません。

この手の形を保てるようにするためには、（指を押さえるための）親指には頼らない左手、左腕をマスターすればオッケーです。もし、拡張形の１の指がうまく押さえられているなら、この２の指を押さえるのは、より容易だと思うのです。

さて、いかがでしょう？

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すたすたスタッカート

では、アマチュアチェリストの鏡てとらさんのリクエストです。
って、なんかＤＪみたいですね～

《ボウイングのヒミツ…エピソードＩＩ》ぐらいにしておこうと思います。

リクエストのひとつは、スラースタッカート、ですが、これはひと弓でいくつも弾くスタッカートという意味だと思います。基本は同じと思っていただいて良いでしょう。ここでは、弓を弾ませないスタッカートについてです。

スタッカートがスムーズに（うーん表現が良くないですよね、じゃあ、、きっちりと）出来るには、一応デタシェで弾く滑らかなボウイングが理解できてることが望ましいです。ですから、普段のボウイングの練習は是非欠かさずに。

さて、どなたかのブログで、レッスン記で拝見しましたが（うちうち、という方教えてください。どなたでしたっけ。）スタッカートは「ようかんのように弾く、楔のようにじゃなくて」と教えられたと。

こんな感じ？

はい。まさにそのとおりですが、それをどうやって弾くのか、ということですよねー。

単純に言えば、

１．しっかり止まって
２．弾き始め
３．しっかり止める

これを続けてやる。

１．→２．→３．→１．→２．→３．→…

このうち、３．が出来ていないと、上の楔のようになるわけです。

最初止めておいて動き始めるまでは、普通のボウイングでやりますね。ただ、普段は動き始めたら止めず、先、元、あるいは必要なところで返しますね。

そして、ボウイングは、手で弾かずに、腕の機構全体で弾くと。

ということは、腕を動かしては止め、動かしては止めすれば良いのかと。

…だいたい、それで良いでしょう。

しかし、それだけだと、端のあまったスコーシ甘いようかんになってしまいそうです。ボウイングの出来ている人ほど手首が自由なので、この方法だけだと慣性によってストップせず、少しすべりますから。

以前なにかと書いたように、ボウイングをスムーズにするためには、人差し指に重さを過剰に乗せないほうが良かったんでした。また、重さを乗せることとは、動きにくくすることでもあると。

それでは逆に考えて、止めるために重みを乗せてみたらどうでしょう。

いわば、腕は弓を駆動するためのエンジン。腕を停止するのはエンジンブレーキです。
それに加えて弓（車輪）を直接止めるためのディスクブレーキみたいなものが、「重み」と考えたらどうでしょう（出た、この手のたとえ）。エンジンブレーキだけでも不十分、ディスクブレーキたけでも危険、といったところですか…

さて、重さを乗せるのは、今までのところ、中指かな？ということになっています。しかし、それは動かすための重み。止まるための重みは、加えて人差し指にも乗せてみましょう。

ですから、

１．しっかり止まって「重みを中指と人差し指に加えたまま、弓を静止」

２．弾き始め「腕を動かし始め、人差し指の加重を抜き、ダイナミクスに応じて中指の加重を、弓が動き始めるまで抜く」
３．しっかり止める「腕を静止しつつ、重みを中指と人差し指に加え、静止」

静止させるのに十分な重みがわかるまでは、ゆっくりやってみましょうか。かけすぎると雑音が入ったり、ぎこちなくなったりします。音が「よーかん」みたいになってきました？

静止させるための重みはさほどは要らないはずです。腕でもエンジンブレーキをかけているからです。

慣れてきたら、長く弾いたり、短めに早く弾いたり、いろいろとしてみてください。

そして、短めに同じ方向に何回も弾くと、スラーのスタッカートにもなります。

スラースタッカートの場合の弓順ですけど、アップとダウンでは、アップのほうが弾きやすいと感じるかもしれません。これは主に、アップとダウンで腕を動かす機構の筋肉の動きの違いだと思います。ダウンのとき、腕を動かし止めるためには、肩だけではなく、肩甲骨、あるいは背中から腰くらいまでを意識してみましょう。

このダウンとアップの弓の扱いの違い、これはこれでひとつの課題です。

とりあえずかいつまんででしたが、いかがですか？
わかりにくいところ、もっと掘り下げたいところ、ご指摘くださいね。

てとらさんにはもうひとつ、スピッカートを言われていました。弾む弓のテクニックですね。スタッカートでも飛ばすスタッカートもありますし、もっと飛ばすとスピッカート、ソティエやリコシェ、などなど

これらについても、可能な限りわかりやすいところから、少しずつ書いてみようと思っています…

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白鳥への道、いずこ…

　てとらさんのページ（毎日がチェロ）でちょうど、Ａ線第４ポジション（Ｔ４）のＧのヴィブラートのお話をされていたので、ちょっと考えてみました。
　
　この音は、チェリストなら弾いてみたい「白鳥」の最初の音でもあります。で、このお題となりました。ここを美しく弾ければ白鳥への道が開ける…かなっと。
　
　ネックポジションで一番困難だなぁ、と感じるのがたしかにここ。ヴィブラートはある程度できるけど、ココができないんだよなぁ、という方も、多いかもしれません。
　
　ヒントになるかどうかわからない程度ですが、今は本当にちょっとだけお話させてください。ヴィブラートのかけ方を直接説明しているわけではありませんので、ご承知おきを。
　
　ヴィブラートは基礎からの飛躍ですが、だからこそ基礎を徹底的に見直すと解決する場合がある、と考えてはどうでしょうか？
　
　すべてのポジションに共通するヒントは、まず、左手のフォームです。「かよわい小指」シリーズでも少しお話しましたが、左手は４の指を主役として構成されているでしょうか（親指ポジションの場合は、３の指を意識すると良いかも）。
　
　また、習い始めに左手のおさえは、どういう順番で習得されたでしょうか？
　４，３としっかりおさえ、１，２は軽く開いて押さえるカタチではなかったでしょうか（教本では、サポージニコフ・チェロ基礎教本＜全音楽譜出版＞が図番的、説明的にも優れているように思います）。
　
　そして、「小指の側面から手首、そして前腕の尺骨経由し、肘までの直線」を意識して、肘のほうに多少引く感じで、押さえます。腕全体を引くので、肩から肩甲骨を意識してはどうでしょうか（先生は押す、と言われるかもしれませんが、多分同じ感覚の事を別な表現で言っているのでしょう。たしかに押すのか引くのか、その区別は大事なんですが）。
　
　この初歩はなかなかの難題で、実は完璧にできないまま進んでいることは多いみたいです。というか完璧にできるまで待ってたらいつまでもすすまないので、だんだんと完璧にしていく、というのが実情でしょう。
　
　しかし、ヴィブラートをかけるためには、出来るだけ完璧にしておかないと、やりにくみたいなんです。そしてほぼ完璧に出来た時点で、指を押さえる為の機構として、親指はまったく要らなくなります。親指を全く使わないわけではありませんが、必要なら「いつでも」外せる自由が欲しいのです。
　
　これを前提に、白鳥のＧを押さえてみましょう。
　
　Ｔ４は、ポジションの指すべてを押さえようと思うと、手の形がすこしひずむポジションですが、ヴィブラートをかけるなら、４の指だけを押さえておけばいいので、手首もほぼまっすぐに出来ます。
　
　くどいようですが、「小指の側面から手首、そして前腕の尺骨経由し、肘までの直線」を意識できるような肘の位置とは、すなわち「手が楽になる肘の位置」です。そうなる位置まで肘をもってくる、肘を持ってくるということは、前腕を、上腕を、そしてそれに関連する肩周辺を、場合によっては姿勢全体を、「手が楽になる肘の位置」のために動かしてみてください。
　
　端的に言うと、腕だけではなく、姿勢全体でポジションを取ってみてください、ってことでしょうか。
　
　もし、これまでである程度ヴィブラートが出来ていれば、ゴールはもうすぐそこ…だと思うんです。
　
　どうでしょう。
　
　チェリストなら誰もがあこがれるヴィブラート。いずれ必ず全面的に取り上げなければならないと思っています。

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ボウイングのヒミツ…その４

あ、もう３月なんだ（遅いって）
　
　いかがでしたか？中指…
　
　中指の役割をどう表現するかはともかく…ひとつ確実にわかっていることがあります。エピソードＩ（スターウォーズか？）でそれとなく触れたように、重みをかけるということは、動かしにくくなるということでもありました。
　
　先弓のときは、弓が弦に接している部分が手元から離れているため、本能的に右手を左回転させる、すなわち、人差し指に重みをかけてしまうことがあります。そうすると、音が大きくなるというよりは、なにかぎこちなくなっちゃうんですよね。
　
　もし、弓で弦を押さえつけることが目的なのならそういうやりかたでも良いですが、実際には弓は常に動かなければなりません。しかも正しい方向で。
　
　これまでの試みで、どうも人差し指には、先弓において、正しい方向に動くように指示し、バランスを取る役割があるようです。その指に直接一番の重みをかけるということは、いわば、アクセルとブレーキをいっぺんに踏んでしまうようなことになるんでしょうね
　
　それでは、その重みを乗せるという役割を、中指に分担してもらえばいいんじゃないでしょうか？あなたの人差し指や中指君は、どう言ってますか？あなた自身の音に聞いてみてください。

　ところで、中指とか、人差し指とか、ずいぶん指先の話にばかりなってしまいました。が、ボウイングを最初に習うときには、どんな風に教わるでしょう？

　弓を動かすのは…肘、腕、肩、あるいは背中や胸…。教え方によっていろいろな表現があると思います。思うに、先生が伝えたいことはたいてい同じじゃないかな？
　
　共通しているのは、おそらく「手で弾いちゃだめ」ということ、多分「手で弾いて良いよ」という指導は皆無でしょう。

　そんなこと言ったって、手で持っているのにとか、思うでしょ？
　だからこそ「持たないために」人差し指だけの練習をしてみたんですね。
　
　こんなたとえはいかがでしょう？
　
　自転車かアップグレードしまして、ボウイングが飛行機なら、エンジンが腕（ないしその構造）。弓が翼で…手指は…着陸するときの車輪かな…うーん、着陸滑走中の飛行機がいいかも。弓は地上（弦）を離れてないから。
　
　では、またこの話でもう少し頭の�